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電玩在過去的社會裡，總帶給別人一種非主流的印象，尤其對於並非從小接觸網路世代的人來說，更有種神秘的隔閡。追根究柢，其實是電玩的故事題材，大部分都太遠離台灣大眾的生活的經驗與記憶。
其實這也是過去以來，電玩改編類型題材的電影一直難以跨越的鴻溝。因為「過去的」電玩並非如小說或漫畫一樣能快速的普及大眾化，再加上有些昂貴硬體的條件，要加入電玩的世界本身就有些門檻。電玩並非像兩三百塊一場電影能馬上得到即時的娛樂，有時你還需要花更多的時間浸淫投入，而且電玩本身若存在了一定的難度，若克服不了挑戰的挫折，就很難進行完整個故事流程，但電影與小說並沒有存在這種互動性上的門檻。
在這些條件限制下，電影公司如果要將一部電玩改編成電影，勢必要更著重於電玩迷的市場，然而電玩迷的票房也無法支撐起大部分的票房，那電影公司勢必要在粉絲與一般大眾之間為難與斟酌，例如【魔獸世界】就改編自擁有驚人玩家數量的電玩作品，但票房依舊滑鐵盧（也因為劇情本身就不太理想）。大部分電玩作品的名氣都是在電玩族群裡流傳，要向非電玩迷族群的一般大眾行銷存在了一定的難度。除非像【精靈寶可夢】因為本身玩法很親民，再加上動畫推波助瀾的關係，它跨越了年齡與族群的限制，更成為親子重要的活動之一，所以累積了大量的粉絲群，成為電影【名偵探皮卡丘】賣座的基礎。
從2018到2019年「華納兄弟」改編了四部電玩作品，清一色找了許多有知名度的演員擔綱演出，例如巨石強森與奧斯卡最佳女配角的艾莉西亞薇坎德，以及因【死侍】聲名大噪的萊恩雷諾斯，將這些演員做為銜接一般大眾與電玩迷兩邊市場的橋梁，每部都還有不俗的票房。
華納兄弟的改編證明，電玩改編的電影需要跨越一定的資本，才有可能將既有的電玩題材行銷到更多的消費群。
【跨越隔閡的路徑】
電玩公司「赤燭」於2017年與19年推出兩款遊戲，分別是【返校】與【還願】，這兩部作品皆以台灣人熟悉的歷史與文化做為基底，描述庶民在大時代之下遭遇的悲劇。
這兩部電玩作品對於資深的核心玩家來說，難度絕對只是皮毛，甚至會覺得毫無遊戲性可言。但因為使用了普羅社會大眾都關心的社會議題當題材，吸引了原本不是玩家的消費者，更跨越了原本電玩的限制，成為一種社會現像，將電玩的難度降低到微乎其微，讓過往不習慣電玩媒介的人可以輕易上手。雖然說這兩款遊戲沒有難度，但強大的文本能力還是能讓人投入其中。
在過去所謂的威權體制留下的傷痕，只能用苦悶的藝術形式來闡述從未癒合的悲劇，但隨著電玩媒體的普及，我們能用更有娛樂性的方式，去認識被刻意掩蓋的回憶。這些我們共同擁有的歷史記憶，也成為能讓電玩跨越不同世代的溝通樞紐。
【改編電影】
因為【返校】累積了足夠的社會現像能量，它不僅受到電玩迷的熱烈討論，也受到電玩迷以外的關注，從此奠定了足以改編成電影的基礎。
【返校】電玩原作本身其實就有明確的文本與故事線，但為了符合電玩的形式，原本可以起承轉合的劇情，被拆解成許多零散的部分，玩家就要去撿拾這些零碎的記憶，逐一拼湊出完整的故事。這些線索就像是引誘孩童到糖果屋的麵包屑，製造出一種非線性的懸疑。
好的電玩敘事手法，在於設計者不會對於玩家所操控的主角給予太多的資訊與設定，讓玩家能把自己的情感與意識投入進操控的角色上，讓玩家感覺是憑著自己的判斷與思考去完成遊戲，這種敘事手法較著重事件的設計，而並非起承轉合的線性。比較不理想的電玩形式，就是強加許多提示給玩家，牽引他們走玩刻意安排的劇情，這種電玩的編劇方式很類似電影的三幕劇結構，只是在這三幕的間格裡又塞了許多衝突事件，延展電玩內容的長度。
【返校】電玩原作的設定，巧妙地以「失憶」的形式暫時抽離了女主角方芮欣的設定，讓玩家能把自我意識投射在她的身上。隨著事件的進展，方芮欣的背景愈來預明朗，引人入勝的時代設定讓玩家漸漸地甘願把自己的意識從角色上抽離，甘願地跟隨指引完全沉浸在悲劇的氛圍裡。
【返校】雖然故事背景被設定在白色恐怖時期，但關於戒嚴的批判算是做得很隱晦，它被埋藏在遊戲探索時發現的各種文件線索裡，真正的主線還是方芮欣個人情感與家庭拉鋸的背景。當被改編成電影時，白色恐怖的背景則是被凸顯出來了。
因為電影的關係，所以必須將電玩原作非線性的敘事，轉化為明確線性的劇本結構。遊戲本身的流程，就是藉由蒐集各種符號來拼湊故事的過程，所以要如何將這些符號轉化成電影劇本的環節就很重要了。可喜的是，徐漢強導演並不會為了「忠於原作」依樣畫葫蘆，他大膽捨棄了不符合電影劇本架構的表現符號，讓電影的段落完整分明。電玩原作有不少七爺八爺、陰曹地府等許多道教信仰的場景與元素，那些元素存在的目的是用道教惡果觀呼應方芮欣的罪惡掙扎，電玩之所以這樣設定，是因為作品本身是平面的卷軸遊戲，人物的情感無法很立體的處理，所以必須用大量的符號來建構角色的情境。當被改編成電影時，演員能表現出強烈而明確的情緒，那自然就可以刪減一些意識流的暗喻符號，將空間留給角色的舒展。原作裡被輕描淡寫的角色，在電影加深了刻劃，始得電玩裡原本不連貫的情感，在大電影裡顯得更完整而有感染力。
電影的結構分三個章節，每個章節是先在死者徘徊的陰間裡，用各種符號與魔幻手法製造各種懸疑，然後在方芮欣的回憶裡解答陰間時留下的懸疑，兩者形成緊密的對照。但可能是因為大量削減道教符號的關係，第一章時為了解釋地縛靈的設定有些亂了節奏，但接下來的故事則是平穩了許多。而有些符號較欠缺鋪陳的脈絡，比如布袋戲的部分，如果觀眾對於布袋戲的角色較欠缺了解，可能會無法理解內涵。另外，可能由於要控訴白色恐怖的意圖有點明顯，部分台詞顯得有些生硬。
但整體而言，【返校】還是成功地將電影散射的結構，緊縮成一條清晰的電影劇情主軸，並不會因為要符合電玩迷的期待而自縛，在大刀闊斧的刪改下，不僅說出了屬於自己的故事，也保留了原汁原味。
【未來的命運，在過去裡】
過去沒有癒合的傷口，塑造了你未來的命運。我們依循過去的陰影，找到夢寐許久的光明。過去一直是進行式，它一直是未來的一部分。
史蒂芬史匹柏導演曾在哈佛的一場畢業典禮上演講時提到，未來的寶藏就在過去的歷史裡，他也很喜歡歷史的題材，總是用商業電影的方式，來闡揚過去為自由奮鬥的英靈，他拍攝了兩部人權相關議題的故事，【間諜橋】闡述面對蘇聯的間諜，男主角仍舊堅持間諜有權享受美國憲法的保障，不該因應輿論而改變犯人的待遇 ; 【郵報：密戰】描述新聞媒體對抗政府箝制言論自由的英雄事蹟，史蒂芬史匹柏用相當通俗的方式，讓過去民主鬥士的精神，用平易近人的方式繼續流傳在年輕世代的記憶裡。
【返校】難能可貴的是，它用了更通俗的語言來講述了很多人不堪回首的傷痛，用魔幻的形式來描述一段肅殺的慘劇。在接連失敗不斷的電玩改編電影行列中，【返校】或許能成為該類題材的模範，因為它以歷史作為與大眾溝通的橋梁，以通俗的電玩作為消弭隔閡的語言，我相信【返校】能成為台灣影史上獨一無二的經驗。
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